BLOG Estudio de grabación Dr.Wattson

Mezcla de Sonido (Parte I)

Tue, 07 Apr 2020 14:35:51 GMT

¿Sabes exactamente que se hace en Mezcla?

“¿Qué es mezclar?”

Esta es la “eterna primera pregunta” cuando alguien nuevo llega al estudio.

Mezclar una canción consiste básicamente en editar y procesar de manera individual cada una de las pistas de sonido que hemos grabado (ya sean voces o instrumentos) mejorándolos cuanto sea posible para, después, balancearlos en conjunto dándoles su lugar en el espacio sonoro. La finalidad es que la suma de todo resulte equilibrada y atractiva al oído.

Y hasta aquí hemos mencionado ya tres conceptos: Editar, procesar y balancear.

Editar significa mover, eliminar, o copiar y pegar, partes de las grabaciones, en función de la estructura de la canción. Se limpian los silencios ya que sólo aportan ruido de fondo. En la actualidad para un resultado profesional (aunque esto depende de la habilidad de los intérpretes) es casi imprescindible crear una toma “definitiva” de cada elemento. Para ello se suele realizar lo que se conoce como “comping”, técnica que consiste en escoger los fragmentos más interesantes y correctos de cada toma para montar la mencionada toma ideal. En esta fase esta fase ajustaremos los posibles fallos de "timing" y empezamos a corregir la afinación.

Respecto al procesado, trataremos cada sonido con varias clases de herramientas para modificarlos. Entre otros tendremos los llamados “procesadores de dinámica” (compresores, limitadores, puertas de ruido, expansores), “de frecuencias” (ecualizadores, filtros, distorsión), “de espacio” (reverberación, delay) y otros más. Aparte existen los denominados efectos "especiales" (aquellos que suenan más irreales) cuyo abanico es cada vez más amplio en la era digital. Dedicaremos otros posts propios a estos utensilios, cuyo adecuado manejo requiere conocimientos y experiencia.

Por último, al balancear, lo posicionaremos todo tanto en un plano horizontal (izquierda / centro / derecha) como en proximidad (cerca / lejos). Y no, esto no consiste en bajar y subir volúmenes. Es mucho más complejo porque jugamos con los principios de la física y cuestiones de acústica. Aquí nos apoyaremos en las herramientas de procesado anteriores, pero con conocimientos avanzados (que no abordaremos hoy).

Al adentrarnos en cada una de estas tareas nos enfrentamos, por así decirlo, dos enfoques: Por una parte el “correctivo”, donde reduciremos las imperfecciones o posibles carencias de las grabaciones; y por otra parte el “creativo”, donde le daremos un carácter a cada ente (habitualmente en función del estilo musical hacia el que nos queramos dirigir).

Y además, estos dos trabajos los atacaremos con dos perspectivas: El conocimiento técnico, donde tratamos de que todo sea impecable; y el planteamiento artístico, con el que proyectamos una identidad, decidimos las emociones que deseamos transmitir con nuestra creación, pensando en el público final.

Bueno, ya tenemos una idea general.

En próximos post vamos a explicar cada una de las labores que conforman este apasionante proceso.

Estén atentos !

¿Cómo se trabaja en un estudio de grabación profesional?

Mon, 29 Jul 2019 17:10:48 GMT

¿Cómo se trabaja en un estudio de grabación profesional?

Empezemos por definir qué es un estudio de grabación. Son varios recintos acondicionados acústicamente (aislamiento y acondicionamiento de interior) para la captación del sonido, manipulación y procesamiento del mismo. Puede estar también preparado para la producción musical. Un estudio de grabación profesional incluye uno o varios habitáculos. Lo normal y más estandarizado es tener una sala de grabación y una sala de control (control room). Hoy en día se estila bastante los estudios que constan de una sola habitación, siendo esta una sala de grabación (voces) y una control room simultáneamente, muchas veces por falta de espacio y por necesidad.

Las formas de trabajar en un estudio profesional son distintas a la de un home studio. Vamos a ver a grandes rasgos los distintos roles que ocupan las personas que trabajan en él:

- Ingeniero de Sonido: persona con gran experiencia en el sector. Conoce cada rincón del estudio, el equipo y su funcionamiento, conexionado, procesos, sistemas de trabajo y técnicas… Hace labores de grabación, mezcla y mastering, mantenimiento… aunque también existen otros cargos más específicos como el Ingeniero de grabación, Ingeniero de mezcla, Ingeniero de mastering, Ingeniero de mantenimiento…

- Asistente: son los ojos y las manos del Ingeniero. Como la propia palabra indica, “asiste” en momentos puntuales al Ingeniero durante la grabación, realizando tareas de microfonía básica, cableado, seteado de cajas de inyección, mover micros según directrices del Ingeniero, apunte de tomas, recalls de equipos, y en casos más especiales donde el asistente tiene más experiencia, puede llegar a cambiar cuerdas en instrumentos, grabar con el DAW (Digital Audio Workstation), preparar sesiones o editar. Normalmente los grandes Ingeniero de sonido han empezado por este eslavón.

- El productor: también existen varios tipos de productores, como el artístico, el técnico y el ejecutivo. Digamos que en resumidas cuentas, el productor es el máximo responsable del acabado final del producto (disco, EP, single…). Desde la composición, hasta el formato de venta del producto.

El personal que trabaja en un estudio de grabación debería parar unos 10-15 minutos cada 45 minutos o 1 hora. Esto es lo ideal para que la toma de decisiones se haga con garantías, con calidad. El oído debe descansar para que rinda lo máximo posible.

En Dr.Wattson Estudio lo hacemos, porque pensamos que así se ofrece al cliente la máxima calidad posible. Recuerda que no hay nada como trabajar fresco, concentrado y oxigenado.

Mezcla y Masterización

Mon, 25 Mar 2019 12:27:59 GMT

Pero... ¿En qué consiste cada una?

¿Es lo mismo? ¿Son alternativas? ¿Son necesarias las dos? ¿En qué consisten?

Cuando alguien entra en sus primeras veces a un estudio profesional (es decir, un estudio con equipos suficientes y gestionado por un Ingeniero-técnico formado) suele soltar en algún momento las siguientes preguntas: “Oye... ¿Y qué es mezclar?, ¿y masterizar?, ¿y es lo mismo?”...

Hoy traemos una respuesta: NO, no tienen nada que ver. Son dos distintas fases de la producción de sonido.

Mezclar y masterizar. Lo primero es como pintar un cuadro, y lo segundo es como darle el barniz (ojo, que aquí sin el barniz nuestro cuadro estaría incompleto, pero ya lo explicaremos cuando hablemos de la masterización, no seamos impacientes).

En la mezcla se manipulan individualmente todos y cada uno de los sonidos que participan en la canción, así como por grupos o familias para compactar o unificarlos. Se ecualizan, comprimen, aplican efectos de retardo, se corrigen voces e instrumentos (afinaciones o mejora de la sincronización entre pistas…) Posteriormente, cuando ya tenemos la mezcla definitiva, ésta se exporta sin efectos en el Bus Master. Normalmente nosotros pedimos este bounce o exportación para iniciar el proceso de Mastering de la siguiente manera:

· Sin efectos de ningún tipo en el Bus Master

· A -4db True Peak (sin normalizar)

· Frecuencia de muestreo igual a la usada en el proyecto de mezcla si es mezcla digital, y a 96khz si se trabaja la mezcla con equipo analógico.

· Resolución (Bit) igual a la usada en el proyecto de mezcla si es mezcla digital, y a 24 bit si se trabaja la mezcla con equipo analógico.

· Archivo wav-aiff Estéreo

· Enviar el archivo sin comprimir

La masterización consiste en dar una serie de procesamientos a esa mezcla completa. Haciéndolo, logramos que toda la mezcla (con los elementos que contiene) suene más “compacto”, potente, y con buena presión sonora.

Dependiendo del sitio donde vaya a usarse la canción, se realiza un mastering u otro. No es lo mismo masterizar para iTunes, que para Youtube, que para CD. Hay que especificar bien cual será el destino del track.

Otra función de la masterización es la siguiente: Cuando se graba un disco de larga duración (un LP o Long Play) es necesario masterizar todas las canciones para “igualar” el sonido de todas y que tengan un cierto carácter en común. En otras ocasiones se recopilan canciones de varios artistas diferentes en un sólo disco, y ello obliga a re-masterizar todas las canciones para darles, como decíamos, un carácter sonoro más similar entre ellas.

Ciertamente esto es complejo de expresar si no tenemos nociones previas de sonido, pero en cualquier caso espero que sea suficiente para saciar un poco la curiosidad de algunos de nuestros lectores.

MÚSICA URBANA: Adquiere Instrumentales a través de Licencias

Mon, 04 Feb 2019 10:19:10 GMT

¿No sabes lo que son las Licencias?

MÚSICA URBANA: ADQUIERE INSTRUMENTALES A TRAVÉS DE LICENCIAS

Antes que nada me gustaría aclarar algunas palabras para poder entendernos mejor:

¿Qué es un BEATMAKER?

Es una persona que produce un ritmo o pista y donde los artistas o compositores trabajan sus letras y melodías vocales. Son los creadores de la música (no letra ni melodía vocal).

¿Qué es STREAMING?

Es la distribución digital de contenido digital, se va consumiendo el producto (audio o video) a medida que se va descargando de la red.

¿Qué es una LICENCIA DE USO?

En la industria musical, es un contrato privado en el que se establecen una serie de pautas o normas entre el BEATMAKER y el cantante o autor , por los cuales el creador de la pista cede temporalmente (o indefinidamente), en exclusiva o no exclusiva, su creación al cantante por un precio determinado. Este podrá (o no) monetizar vía streaming las reproducciones de su canción. En definitiva, es un contrato que le otorga derecho de uso de esa pista al cantante.
Muchas veces me preguntan por producción musical, creación de pistas… precios… pero a veces no se tienen las cosas claras y por eso escribimos este post.

Hay algo que nunca tenemos en cuenta y es conocer nuestras necesidades, nuestra perspectiva, y los objetivos que tenemos. En la industria musical como en cualquier negocio, hay que tener estos puntos claros, si no, nos arriesgamos a perder dinero por el camino.
No es lo mismo una persona que está empezando en el mundo musical a otra que ya tiene una experiencia y unos seguidores en redes sociales, que ya realiza conciertos, etc. Son puntos de vista distintos, así como su forma de gestión, en este caso, en cuanto a la adquisición de una pista.
Para la gente que empieza lo más lógico sería adquirir licencias (gasto bajo para empezar) y trabajar, trabajar, trabajar… Según se vayan viendo los resultados se pueden plantear otras opciones, pero este es mi consejo inicial. Ojo, hay que tener en cuenta que cuando se licencia una pista, es posible que otros cantantes también hagan uso de ella, ya que podrían haberla licenciado también, es decir, que no te pertenece en exclusiva. Imagínate que podrían estar usándola en Rusia, Tokio, Méjico, Holanda…

Para la gente que ya tiene un rodaje en la industria musical, el camino es otro, ya que si genera dinero de sus temas en streaming o conciertos, la cosa se pone más seria. Optarían por la compra en exlusiva de pistas, colaboraciones a cambio de royalties , etc.

Muchos beatmakers ponen a disposición sus trabajos en webs dedicadas a ello, como beatstars.com , que es una página donde encontrarás a muchísimos productores exponiendo sus trabajos en sus espacios. Verás sus pistas y su precio por licenciar o por comprarla. Todo muy bien detallado y legal 100% .

Nuestro estudio de grabación suele trabajar con algunos productores de música urbana como Drakon BeatMaker, Sr.Kokis, Héctor el Isleño Beatz… (para producciones de otros géneros por favor contactarnos por privado).

Microfonía: El Gran Interventor de la grabación

Mon, 04 Feb 2019 10:19:07 GMT

El talón de Aquiles de la grabación.

Microfonía: El Gran Interventor de la grabación

El mundo de la microfonía va más allá de lo que conocemos popularmente. Cada micrófono es un mundo, es un viaje en el tiempo o un sin fin de sensibles frecuencias. Existen muchos tipos de tecnologías aplicadas, y cada una tiene sus características y en consecuencia, sus propias aplicaciones profesionales.

Podemos hacer una primera clasificación de los micrófonos en base a su tecnología de transducción mecánico-eléctrica (es decir, el método por el cual recogen un sonido real y lo convierten en una señal electrónica que podamos manejar). Diremos únicamente que hay micrófonos con “mecanismos” diferentes: de condensador, dinámicos, de cinta, piezoeléctricos, electret, de carbón…, y unos cuantos más que ni siquiera mencionaremos.

Pero tranquilos. Aquí nos ceñiremos a algunos de los empleados en nuestro estudio de grabación : los micrófonos de condensador, dinámicos y los de cinta.

Condensador:

Los de condensador tienen una mejor “respuesta en frecuencia” (o “fidelidad” por así decirlo). Son extremadamente sensibles (recogen sonidos más lejanos y por supuesto ruidos de fondo no deseados) por lo que son ideales dentro del entorno “controlado” de un estudio de grabación, pero complicados de usar en un ruidoso escenario (hablamos siempre en términos muy generales, hay excepciones). Además necesitan alimentación eléctrica externa o también llamada “Alimentación Phantom” (+48v normalmente), ya sea desde una mesa de mezclas o de un pre-amplificador de micrófono (también llamados “previos de micro”). Cabe destacar como no el Neumann u47 fet, Neumann km184, AKG 414…

Cinta:

Por otra parte los micrófonos de cinta, ofrecen menor respuesta en frecuencia, nos ofrecen un sonido mas “dark” algo oscuro, muy natural, con mucha presencia… y son más “complicados” de utilizar. Son muy frágiles a la hora de la presión acústica en cuanto a los soplos de conos de altavoces, y NO necesitan alimentación Phantom, de lo contrario ¡nos los cargaríamos! Aportan detalles que sólo un buen técnico sabrá explotar según la textura que vaya buscando. Cabe destacar algunos buenos micros de cinta como los Coles 4038, Royer Labs R121, RCA 44-bx…

Dinámicos:

Por último cabría mencionar brevemente a los dinámicos, que son menos sensibles, (captan “sólo” lo que tienen más cerca). Aguantan muy bien los SPL (Sound Pressure Level). Si bien la respuesta no es tan “realista” como la de uno de condensador, son menos vulnerables a los ruidos lejanos (y al viento, por lo que son más apreciados para el escenario). Son ideales para determinados instrumentos en estudio. No necesitan alimentación externa debido a su método de funcionamiento. Cabe destacar el legendario SM57, Sennheiser 421, Akg D12…

De entre las muchas características de un micrófono (respuesta en frecuencia, tipo de tecnología, impedancia, etc) sólo nos pararemos a explicar una: el Patrón Polar (es decir, la “direccionalidad”). En resumidas cuentas el Patrón Polar nos indica en qué direcciones capta el sonido nuestro micrófono. Un patrón uni-direccional recoge el sonido de una sola dirección (delante del micrófono). Un patrón bi-direccional capta el sonido procedente de dos direcciones opuestas (delante y detrás del micrófono). Uno omni-direccional capta igual en todas las direcciones. Y podríamos finalizar explicando que hay varios tipos de uni-direccionales, dependiendo del ángulo más o menos abierto que capten (imaginemos que el micrófono es una cámara de fotos, y cuanto más amplio sea el “ángulo” de captación más señal de los laterales nos recogerá). Esto se utiliza en función de lo que queramos grabar (pero de nuevo es imposible entrar en detalle en esta pequeña introducción).

Si hablamos de marcas de fabricantes (y sus modelos más legendarios) nos extenderíamos muchísimas líneas. Neumanm, AKG, Shure, Rode, Audiotechnica, Sennheiser … Pero ciñéndonos al material disponible, diremos que en Dr. Wattson Estudio (Montecristo Company) nos gusta contar con los mejores ejemplares de las primeras marcas. Ahí lo dejamos. Entre otros contamos en nuestro arsenal con un Neumann u87 (de condensador), un par stereo matcheado Coles 4038 (de cinta), fantásticos para voces naturales y presentes, guitarras eléctricas, un par stereo de Neumann km184 (condensador pequeño)…

A la hora de trabajar con un micrófono hay que tomar varias decisiones. Son bastantes las características a valorar, por no hablar de cómo posicionarlo en función de la situación (pues su colocación con respecto a la voz o instrumento a grabar, determina completamente el sonido de éste y la experiencia de cada ingeniero). Cada micro es distinto y tiene sus fortalezas y debilidades. No existe un micro “universal” (igual que no hay un vehículo para todos los terrenos), aunque hay algunos que son muy usados para una gran variedad de instrumentos como es el AKG 414 y el SM57.

¿Y ahora…? Imaginen cómo es para un técnico de sonido calcular la mejor configuración en una grabación de estudio o espectáculo en vivo. Se entiende entonces por qué es fundamental la planificación y los conocimientos, así como probar varias opciones antes de comenzar la grabación… ¿cierto?.

Presentar el complejo mundo (o, mejor dicho, el universo ) de los micrófonos en menos de mil palabras es, como quien dice, una locura. Pero esperamos al menos haber despertado cierta curiosidad.

Si vienes a nuestro estudio podrás verlos todos en acción, y ya de paso, ver cómo son utilizados por personal cualificado.

https://en-de.neumann.com/

https://en-us.sennheiser.com/microphones

https://www.akg.com/

http://www.shure.es/

MASTERING ¿Una Ciencia? ¿O un toque de Mágia?

Mon, 04 Feb 2019 10:09:03 GMT

Te contamos algo sobre MASTERING

MASTERING ¿Una Ciencia? ¿O un toque de Mágia?

Todos hemos oído hablar de esa misteriosa palabra en muchos estudios, en fábricas de cds, y en webs que promocionamos el Servicio de Mastering Online. Pero, ¿realmente sabemos qué es el proceso de Mastering? ¿es lo mismo que Máster ?

Bueno, vamos por partes. El Mastering es un proceso que empieza cuando acaba la mezcla. Lo que no se consiga en la mezcla no podemos encontrarlo en el Mastering. Para que un track suene finalmente bien debe haber un buen trabajo previo. Nos referimos a cuidar al máximo cada detalle desde el principio. TODO es importante: escoger al productor, seleccionar a los instrumentistas, el estudio, el habitáculo, los micros, los cables, el mezclador, previos, procesadores de efectos, mezcla… y algo muy importante de lo que no oigo hablar mucho: EL GUSTO. Ésto último quiero destacarlo porque se marca una gran diferencia entre un disco y otro. El oído musical, la intuición, la maestría… son detalles que influyen drásticamente en el producto final.

Como decíamos, una vez la mezcla está terminada (terminada no, abandonada mejor dicho), pasamos el archivo final (casi siempre es un archivo wav stereo) al Ingeniero de Mastering. Él es el encargado de escuchar detenidamente el track en su estudio, para ver los “síntomas” que padece el track. Normalmente, se detectan los errores en frecuencias para que sea más agradable al oído, se trabaja en el panorama stereo del track, se comprime, se limita, maximizamos… algunos añaden reverb, otros juegan con “bombear” la señal para darle algo más de dinámica si hiciera falta… trucos mil como peces en el mar.

Muchos ingenieros se toman este proceso como el momento de hacer una revisión a la calidad final del producto, y realmente es así. Como yo suelo decir: “El modelo tiene que tener buena presencia, para que maquillándolo esté aun MEJOR”. El Mastering nos sirve también para UNIFICAR volúmenes entre los temas del disco, así como su “rollito” o textura sonora a lo largo del Álbum.

El Máster es la pieza final. Lo que antes se usaba para realizar todas las copias en las fábricas de discos (aun se sigue usando). Es la “modelo tras su proceso de maquillaje”.

Para hacer un envío de tu material a, por ejemplo, nuestro estudio, para realizar un mastering online, se siguen los siguientes pasos:

Exporta tu mezcla sin efectos de dinámica en el máster de la mesa (o del DAW).
Los parámetros de la exportación han de ser los mismos que has usado en tu secuenciador para producir o para grabar las pistas de instrumentos. Hablo de la frecuencia de muestreo y los bit de profundidad.
Nivel de True Peak -6 dbs apróximadamente. Sin normalizar el archivo ni procesarlo. Lo necesitamos PURO.
Enviarlo mediante la nube, wetransfer… sin comprimir en zip.

En otra entrada a esta sección del Blog hablaremos sobre la famosa frase “ MASTERIZADO PARA ITUNES ”.

Les dejo un libro sin duda de obligada lectura para los que deseen cultivarse en cuanto a Mastering:

Bob Katz – LA MASTERIZACIÓN DE AUDIO: EL ARTE Y LA CIENCIA

Dr. Dre – Un Rey Midas del Hip Hop

Mon, 04 Feb 2019 10:00:27 GMT

Esto es un subtítulo para su nueva entrada

Dr. Dre – Un Rey Midas del Hip Hop

Podríamos decir que Andre Young (más conocido como Dr. Dre ) ha pasado por todas las “fases” de un artista del Hip-Hop , y además lo ha hecho con éxito en todos los escalones de su camino. Estudiando un poco sus pasos, es fácil ver por qué hoy es uno de los referentes mundiales en su campo.

Nació en California, hijo de padres adolescentes, fracasó en sus estudios, se mudó varias veces de ciudad, fue padre también a muy temprana edad, fue dj de un club y se subió a las tarimas como rapero en una banda y en solitario. Y todo esto podría ser la historia de cualquier aspirante. Pero él, sí lo consiguió.

Haciendo un breve repaso, comenzó a pisar escenarios como miembro del grupo N.W.A. , del que se apartaría en la cúpula de su popularidad. Comenzó a producir música para él mismo y otros artistas muy notorios de su género. Pero su punto de inflexión puede decirse que es el momento en que produce dos canciones para el primer álbum de un artista en aquel entonces desconocido. Un rapero de Detroit al que casi nadie puede decir que no conoce. El internacionalmente conocido Eminem .

Dr. Dre ha estado presente en nuestras vidas sin que nos demos cuenta. Es casi improbable que no hayas escuchado una canción de artistas como Gwen Stefani, Mary J. Blige o 50 Cent .

Pero, incluso el hip hop no es la música que escuchas (incluso si te niegas a hacerlo y sólo expones a tus oídos al sonido de otro estilo musical) sin duda habrás visto a alguien utilizar (o puede que incluso tú mismo) los conocidos auriculares de la marca “ BEATS (By Dr.Dre) ”. Te suenan ¿cierto? Bueno, en este punto ya no podemos negar que su trabajo ha llegado… “a nuestros oídos” (chiste fácil, lo siento). Ahora en serio, esta línea de auriculares y altavoces ha recorrido el mundo entero, y sólo por eso debemos concederle también la medalla al magistral empresario.

Hablando de un Productor Musical debemos mirar más allá de sus trabajos, hacia su metodología y herramientas. Se ha ganado a pulso la etiqueta de perfeccionista. Su ética de trabajo es tan estricta que en una ocasión hizo repetir más de cien veces la misma toma a uno de sus artistas (o al menos eso cuentan).

Por raro que parezca en pleno siglo XXI las herramientas digitales están lejos de igualar a determinados “aparatos” analógicos en un estudio de grabación. Basta con ver sus sesiones de estudio para comprobar que este maestro de la “vieja escuela” no renuncia a equipos como el sampler AKAI MPC-3000 , la caja de ritmos Roland TR-808 , la mesa de mezclas Soundcraft Ghost . Sin prescindir, como es lógico, de un moderno controlador M-Audio Keystation Pro-88 , o el paquete de librerías profesionales de sonido por excelencia, Komplete , proporcionado por la compañía alemana Native Instruments . En cuanto a microfonía reconoce su predilección por el Sony C800-G , un peculiar ejemplar de condensador con válvulas propias incorporadas. Y no, no vamos a preguntarle qué auriculares prefiere, porque podemos imaginar que utiliza los de su propia firma.

Y haciendo una apreciación en el debate entre los equipos analógicos y digitales, tal vez parezca ilógico no seguir las tendencias, pero en cuestión de trabajo, la seriedad está por encima de las modas. De hecho, aquí mismo, en Montecristo empleamos (aunque esté feo decirlo) lo mejor en equipos analógicos (como la mesa de mezclas AMEK Big by Langley 44ch , un preamplificador Manley VoxBox de válvulas, microfonía de cinta, sólo por mencionar algo).

Pero volvamos a nuestro protagonista. Podríamos decir que, si un deportista de élite puede pasar de los terrenos de juego a las oficinas del club, un artista de talento puede ascender de los escenarios a la silla del productor en una compañía discográfica (e incluso fundar la suya propia). Éste precisamente ha sido el trayecto de Dr. Dre. Logró ganarse el respeto sobre los escenarios con su primera banda de hip hop y luego en solitario, pero ha sido en su faceta de productor donde ha logrado ser uno de los profesionales más admirados del mundo.

Porque no hablamos de uno más. Hablamos de un empresario musical que es ya una marca propia, un sello, una institución. Entrando (con alfombra roja incluida) a ese selecto club de productores musicales del que todos hemos oído hablar (al menos si has encendido una radio en los últimos veinte años).

Un Rey Midas en la industria del Hip Hop .